VISITAÇÃO ATÉ 21 DE NOVEMBRO
Pirraça é uma das palavras cujo sentido remonta a
práticas pueris, bobas, e não recomendadas. Tal postura
do comportamento nunca é considerada devidamente em
sua potência estética, política, cultural e social. Acontece
que a pirraça é também uma maneira de prolongar
conflitos, e desestabilizar normas impostas por forças
muitas vezes injustas e violentas. A exposição coletiva
Pirraça reúne artistas que trabalham noções de atrito e
tensão, em que o termo deixa de ser mero capricho para
se afirmar como operação. Ao longo de encontros e
atividades coletivas regulares, os 10 artistas participantes
da mostra foram convidados a elaborar proposições
levando a percepção de suas práticas artísticas enquanto
uma forma de pirraça. Obviamente que cada um
respondeu a isso de maneira bastante singular, variando a
percepção da pirraça desde os temas e assuntos,
passando pela teimosia do fazer e mexer com certas
matérias, ou ainda da própria trajetória como uma
persistência pirracenta. E ainda que muito únicos em suas
abordagens, algumas linhas de força podem ser traçadas
nesta exposição.
É o caso dos trabalhos de Samuel Macedo, Marcos da Matta e Pedro Marighella, nos quais as celebrações festivas aparecem como formas de desobediência e suspensão momentânea da ordem. Samuel fotografou, em expedições pelo interior do Ceará, a prática dos Caretas do Sítio de Sassaré, importante manifestação da cultura popular e tradicional do município de Potengi, na região do Cariri. Durante a Semana Santa, os participantes saem às ruas em cortejo, amarram chocalhos às roupas e carregam apitos e buzinas, produzindo barulho e arruaça para chamar a atenção da comunidade.
A celebração também se manifesta na obra de Marcos da Matta: em uma marcha militar tradicional do 2 de Julho, na Bahia, um soldado solta uma gargalhada aguda, gesto que contraria o código esperado dos cortejos marciais, cuja demonstração de ordem depende justamente da performance de sisudez dos marchantes. A quebra das normatizações atinge outro grau na produção de Pedro Marighella. Artista cuja pesquisa se volta para as formas de alegria coletiva dos corpos envolvidos nos delírios carnavalescos, Marighella apresenta obra da série Parlamento, fotografia que ironiza as formas instituídas de poder ao eleger o povo, em sua catarse coletiva, como instância soberana. Na instalação da série Contra-ataque, o artista retoma hábitos, vestes e frases carnavalescas como formas de desalienação e deslocamento das estruturas de autoridade.
Passamos dessa ritmia alegre dos corpos ao cinismo altivo de Laura Pascoal, cujas pinturas ostentam sorrisos tão sedutores quanto perigosos e respostas desconcertantes a interlocutores desconhecidos. A condição de uma mulher que elabora suas próprias defesas como estratégia de afirmação e empoderamento atravessa esses trabalhos e encontra ressonância na trajetória de Ieda Oliveira. A artista desenvolve uma prática marcada por ações brincantes que questionam o próprio estatuto da arte e cuja circulação ultrapassa os limites da institucionalização em museus e galerias. Para esta exposição, a artista retoma trabalhos que ironizam os lugares historicamente atribuídos às mulheres: a Banca de Maçã, remetendo ao fruto da tentação bíblica; Rabo de Saia, expressão pejorativa utilizada para designar mulheres; e Pedra Falsa, em que performa, vestida de vermelho-sangue, em meio às procissões comuns do Nordeste católico.
Henrique Reis, Camila Soato e Diego Crux abordam, de maneira mais contracolonial e crítica, diferentes formas de poder hegemônico. Reis retoma uma contenda jurídica com a Fundação Cultural do Estado da Bahia (FUNCEB) por conta de arbitrariedades na distribuição das premiações na edição de 2022. Ao levar os responsáveis à Justiça, o artista produziu Ainda sobre o processo contra a Funceb, trabalho que, mais do que citar a famosa bandeira de Hélio Oiticica, expõe a própria pirraça como forma de reivindicação de direitos. O artista também apresenta a pintura da série que remonta às práticas de cruising, e sexo queer em público, evidenciando o que fica no escuro, que é mal visto, mas que nunca parou de existir mesmo repreendido.
Soato apresenta uma série de pinturas em que monumentos são destruídos e corpos dissidentes, afrontosos, dançam, bebem, beijam, tiram a roupa e fazem da vida uma micareta. Crux, por sua vez, apresenta a primeira fotografia que lhe foi tirada quando criança. Curiosamente, na parede ao fundo, há um pôster da Pantera Cor-de-Rosa; mais curiosamente ainda, o bebê Crux aparece cerrando e levantando o punho, gesto associado aos Panteras Negras. O pequeno Diego, assim, parecia destinado a pirraçar desde o nascimento.
Como espaço de reivindicação de direitos relacionados aos territórios, Yasmin Formiga e Matheus Freitas voltam-se para a paisagem e para as localidades caatingueiras, observando suas nuances de fauna, flora e demarcação de usos. Para Formiga, artista vencedora do Prêmio PIPA Online em 2025, prática artística e ação política são indissociáveis. No cerne de sua pesquisa atual, apresentada na pintura que integra a mostra, a artista expõe o mito ecológico das energias macro-renováveis. As torres eólicas aparecem como problemas concretos diante do neocolonialismo que incide sobre os territórios e afeta a vida dos seres que os habitam. A artista projeta uma prospecção dessas torres tombadas, retomadas pela vegetação e pelos animais nativos destes territórios.
O trabalho de Matheus Freitas ancora-se na planta Calumbi, típica da região do semiárido brasileiro, e na lenda do “Fechamento da Caatinga”: uma narrativa de proteção física e espiritual segundo a qual mestres do Catimbó e pajés sabiam rezar para que a densa e espinhosa mata de Calumbi funcionasse como uma fortaleza viva. Diante de uma ameaça, a vegetação abriria caminhos mágicos para que o “justo” passasse ileso, fechando-se imediatamente depois como uma barreira intransponível de espinhos, capaz de rasgar e repelir o perseguidor. A ancestralidade mística da planta e a urgência ecológica das obras convergem em um mesmo manifesto: a Caatinga como um corpo político vivo, que sabe como pirraçar seus invasores.
Pirraçar, afinal, não é um gesto variado e indefinido, mas uma forma de dizer não quando esperam de nós o consentimento cego, de insistir e fazer barulho quando pedem silêncio, rir quando esperam sisudez, ocupar quando impõem limites e permanecer quando ordenam a retirada. Talvez por isso a pirraça interesse tanto à arte: porque, entre a birra e a insurgência, ela abre um espaço de indisciplina no qual outras possibilidades podem ser experimentadas. Talvez Pirraçar não resolva estruturalmente conflitos, mas definitivamente possibilita novas criações.
Walter Arcela
curador
É o caso dos trabalhos de Samuel Macedo, Marcos da Matta e Pedro Marighella, nos quais as celebrações festivas aparecem como formas de desobediência e suspensão momentânea da ordem. Samuel fotografou, em expedições pelo interior do Ceará, a prática dos Caretas do Sítio de Sassaré, importante manifestação da cultura popular e tradicional do município de Potengi, na região do Cariri. Durante a Semana Santa, os participantes saem às ruas em cortejo, amarram chocalhos às roupas e carregam apitos e buzinas, produzindo barulho e arruaça para chamar a atenção da comunidade.
A celebração também se manifesta na obra de Marcos da Matta: em uma marcha militar tradicional do 2 de Julho, na Bahia, um soldado solta uma gargalhada aguda, gesto que contraria o código esperado dos cortejos marciais, cuja demonstração de ordem depende justamente da performance de sisudez dos marchantes. A quebra das normatizações atinge outro grau na produção de Pedro Marighella. Artista cuja pesquisa se volta para as formas de alegria coletiva dos corpos envolvidos nos delírios carnavalescos, Marighella apresenta obra da série Parlamento, fotografia que ironiza as formas instituídas de poder ao eleger o povo, em sua catarse coletiva, como instância soberana. Na instalação da série Contra-ataque, o artista retoma hábitos, vestes e frases carnavalescas como formas de desalienação e deslocamento das estruturas de autoridade.
Passamos dessa ritmia alegre dos corpos ao cinismo altivo de Laura Pascoal, cujas pinturas ostentam sorrisos tão sedutores quanto perigosos e respostas desconcertantes a interlocutores desconhecidos. A condição de uma mulher que elabora suas próprias defesas como estratégia de afirmação e empoderamento atravessa esses trabalhos e encontra ressonância na trajetória de Ieda Oliveira. A artista desenvolve uma prática marcada por ações brincantes que questionam o próprio estatuto da arte e cuja circulação ultrapassa os limites da institucionalização em museus e galerias. Para esta exposição, a artista retoma trabalhos que ironizam os lugares historicamente atribuídos às mulheres: a Banca de Maçã, remetendo ao fruto da tentação bíblica; Rabo de Saia, expressão pejorativa utilizada para designar mulheres; e Pedra Falsa, em que performa, vestida de vermelho-sangue, em meio às procissões comuns do Nordeste católico.
Henrique Reis, Camila Soato e Diego Crux abordam, de maneira mais contracolonial e crítica, diferentes formas de poder hegemônico. Reis retoma uma contenda jurídica com a Fundação Cultural do Estado da Bahia (FUNCEB) por conta de arbitrariedades na distribuição das premiações na edição de 2022. Ao levar os responsáveis à Justiça, o artista produziu Ainda sobre o processo contra a Funceb, trabalho que, mais do que citar a famosa bandeira de Hélio Oiticica, expõe a própria pirraça como forma de reivindicação de direitos. O artista também apresenta a pintura da série que remonta às práticas de cruising, e sexo queer em público, evidenciando o que fica no escuro, que é mal visto, mas que nunca parou de existir mesmo repreendido.
Soato apresenta uma série de pinturas em que monumentos são destruídos e corpos dissidentes, afrontosos, dançam, bebem, beijam, tiram a roupa e fazem da vida uma micareta. Crux, por sua vez, apresenta a primeira fotografia que lhe foi tirada quando criança. Curiosamente, na parede ao fundo, há um pôster da Pantera Cor-de-Rosa; mais curiosamente ainda, o bebê Crux aparece cerrando e levantando o punho, gesto associado aos Panteras Negras. O pequeno Diego, assim, parecia destinado a pirraçar desde o nascimento.
Como espaço de reivindicação de direitos relacionados aos territórios, Yasmin Formiga e Matheus Freitas voltam-se para a paisagem e para as localidades caatingueiras, observando suas nuances de fauna, flora e demarcação de usos. Para Formiga, artista vencedora do Prêmio PIPA Online em 2025, prática artística e ação política são indissociáveis. No cerne de sua pesquisa atual, apresentada na pintura que integra a mostra, a artista expõe o mito ecológico das energias macro-renováveis. As torres eólicas aparecem como problemas concretos diante do neocolonialismo que incide sobre os territórios e afeta a vida dos seres que os habitam. A artista projeta uma prospecção dessas torres tombadas, retomadas pela vegetação e pelos animais nativos destes territórios.
O trabalho de Matheus Freitas ancora-se na planta Calumbi, típica da região do semiárido brasileiro, e na lenda do “Fechamento da Caatinga”: uma narrativa de proteção física e espiritual segundo a qual mestres do Catimbó e pajés sabiam rezar para que a densa e espinhosa mata de Calumbi funcionasse como uma fortaleza viva. Diante de uma ameaça, a vegetação abriria caminhos mágicos para que o “justo” passasse ileso, fechando-se imediatamente depois como uma barreira intransponível de espinhos, capaz de rasgar e repelir o perseguidor. A ancestralidade mística da planta e a urgência ecológica das obras convergem em um mesmo manifesto: a Caatinga como um corpo político vivo, que sabe como pirraçar seus invasores.
Pirraçar, afinal, não é um gesto variado e indefinido, mas uma forma de dizer não quando esperam de nós o consentimento cego, de insistir e fazer barulho quando pedem silêncio, rir quando esperam sisudez, ocupar quando impõem limites e permanecer quando ordenam a retirada. Talvez por isso a pirraça interesse tanto à arte: porque, entre a birra e a insurgência, ela abre um espaço de indisciplina no qual outras possibilidades podem ser experimentadas. Talvez Pirraçar não resolva estruturalmente conflitos, mas definitivamente possibilita novas criações.
Walter Arcela
curador
Pirraça is one of those words whose meaning can be traced back to childish, foolish, and seemingly inappropriate forms of behavior. Such an attitude is rarely considered for its aesthetic, political, cultural, and social potential. Yet pirraça can also be understood as a way of prolonging conflicts and destabilizing norms imposed by forces that are often unjust and violent. The group exhibition Pirraça brings together artists whose practices engage with notions of friction and tension, in which the term ceases to be a mere whim and asserts itself as an operation. Through a series of regular encounters and collective activities, the ten participating artists were invited to develop propositions by considering their artistic practices as forms of pirraça. Each responded to this proposition in a highly singular way, locating pirraça variously in their themes and subjects, in the stubbornness involved in making and working with certain materials, or even in their own trajectories, understood as forms of persistent pirraça. And although their approaches are deeply individual, certain lines of force can be traced throughout the exhibition.
This is the case with the works of Samuel Macedo, Marcos da Matta, and Pedro Marighella, in which festive celebrations emerge as forms of disobedience and temporary suspensions of order. During expeditions through the interior of Ceará, Samuel Macedo photographed the practice of the Caretas do Sítio de Sassaré, an important expression of the popular and traditional culture of the municipality of Potengi, in the Cariri region. During Holy Week, participants take to the streets in procession, tying rattles to their clothes and carrying whistles and horns, producing noise and commotion to draw the attention of the community.
Celebration also appears in the work of Marcos da Matta. During a traditional military march on 2 de Julho in Bahia, a soldier suddenly lets out a sharp laugh, a gesture that runs against the expected code of martial processions, whose display of order depends precisely on the solemnity performed by those who march. The disruption of these norms reaches another degree in the work of Pedro Marighella. An artist whose research turns toward forms of collective joy and the delirious bodies of Carnival, Marighella presents a work from the series Parlamento, a photograph that ironizes established forms of power by positioning the people, in their collective catharsis, as the sovereign authority. In the installation Contra ataque, the artist revisits Carnival habits, clothing, and phrases as forms of disalienation and as ways of displacing structures of authority.
From the joyful rhythm of these bodies, we move toward the haughty cynicism of Laura Pascoal, whose paintings display smiles that are as seductive as they are dangerous, along with disconcerting responses to unknown interlocutors. The condition of a woman who constructs her own defenses as a strategy of affirmation and empowerment runs through these works and finds resonance in the trajectory of Ieda Oliveira. The artist develops a practice marked by playful actions that question the very status of art and whose circulation extends beyond the boundaries of institutionalization within museums and galleries. For this exhibition, the artist revisits works that ironize the places historically assigned to women: Banca de Maça, evoking the fruit of biblical temptation; Rabo de Saia, a derogatory expression used to refer to women; and Pedra Falsa, in which she performs dressed in blood red amid the processions common to the Catholic Northeast of Brazil.
Henrique Reis, Camila Soato, and Diego Crux approach different forms of hegemonic power through more countercolonial and critical perspectives. Reis revisits a legal dispute with the Fundação Cultural do Estado da Bahia (FUNCEB), arising from what he understood as arbitrariness in the distribution of awards in the 2022 edition. By taking those responsible to court, the artist produced Ainda sobre o processo contra a Funceb. More than simply invoking Hélio Oiticica’s famous banner, the work exposes pirraça itself as a means of claiming rights. The artist also presents a painting from a series that revisits practices of cruising and queer sex in public, bringing into view what remains in the dark: what is considered improper, what is frowned upon, yet has never ceased to exist despite repression.
Camilla Soato presents a series of paintings in which monuments are destroyed and dissident, confrontational bodies dance, drink, kiss, undress, and turn life into a micareta. Diego Crux, in turn, presents the first photograph ever taken of him as a child. Curiously, there is a poster of the Pink Panther on the wall behind him; more curious still, baby Crux appears with his fist clenched and raised, a gesture associated with the Black Panthers. Little Diego, then, seemed destined to pirraçar from birth.
As a space for claiming rights related to territory, Yasmin Formiga and Matheus Freitas turn toward the landscape and territories of the Caatinga, attending to their nuances of fauna, flora, and the demarcation of their uses. For Formiga, winner of the Prêmio PIPA Online in 2025, artistic practice and political action are inseparable. At the heart of her current research, presented in the painting included in the exhibition, the artist exposes the ecological myth of macro-renewable energy. Wind turbines appear as concrete problems in the face of neocolonialism, which acts upon these territories and affects the lives of the beings who inhabit them. The artist projects a vision of these fallen turbines, reclaimed by vegetation and by the native animals of these territories.
The work of Matheus Freitas is grounded in the Calumbi plant, characteristic of Brazil’s semi-arid region, and in the legend of the “Fechamento da Caatinga”: a narrative of physical and spiritual protection according to which masters of Catimbó and pajés knew how to pray so that the dense, thorny Calumbi forest could function as a living fortress. In the face of a threat, the vegetation would open magical paths so that the “just” could pass through unharmed, closing immediately afterward as an impenetrable barrier of thorns, capable of tearing apart and repelling the pursuer. The plant’s mystical ancestry and the ecological urgency of the works converge in a single manifesto: the Caatinga as a living political body that knows how to pirraçar its invaders.
To pirraçar, after all, is not a vague or undefined gesture, but a way of saying no when blind consent is expected of us; of insisting and making noise when silence is demanded; of laughing when solemnity is expected; of occupying when limits are imposed; and of remaining when withdrawal is ordered. Perhaps this is why pirraça holds such interest for art: because, somewhere between childish defiance and insurgency, it opens a space of indiscipline in which other possibilities can be tested. Maybe pirraçar does not resolve conflicts at a structural level, but it certainly makes new forms of creation possible.
Walter Arcela
curator
This is the case with the works of Samuel Macedo, Marcos da Matta, and Pedro Marighella, in which festive celebrations emerge as forms of disobedience and temporary suspensions of order. During expeditions through the interior of Ceará, Samuel Macedo photographed the practice of the Caretas do Sítio de Sassaré, an important expression of the popular and traditional culture of the municipality of Potengi, in the Cariri region. During Holy Week, participants take to the streets in procession, tying rattles to their clothes and carrying whistles and horns, producing noise and commotion to draw the attention of the community.
Celebration also appears in the work of Marcos da Matta. During a traditional military march on 2 de Julho in Bahia, a soldier suddenly lets out a sharp laugh, a gesture that runs against the expected code of martial processions, whose display of order depends precisely on the solemnity performed by those who march. The disruption of these norms reaches another degree in the work of Pedro Marighella. An artist whose research turns toward forms of collective joy and the delirious bodies of Carnival, Marighella presents a work from the series Parlamento, a photograph that ironizes established forms of power by positioning the people, in their collective catharsis, as the sovereign authority. In the installation Contra ataque, the artist revisits Carnival habits, clothing, and phrases as forms of disalienation and as ways of displacing structures of authority.
From the joyful rhythm of these bodies, we move toward the haughty cynicism of Laura Pascoal, whose paintings display smiles that are as seductive as they are dangerous, along with disconcerting responses to unknown interlocutors. The condition of a woman who constructs her own defenses as a strategy of affirmation and empowerment runs through these works and finds resonance in the trajectory of Ieda Oliveira. The artist develops a practice marked by playful actions that question the very status of art and whose circulation extends beyond the boundaries of institutionalization within museums and galleries. For this exhibition, the artist revisits works that ironize the places historically assigned to women: Banca de Maça, evoking the fruit of biblical temptation; Rabo de Saia, a derogatory expression used to refer to women; and Pedra Falsa, in which she performs dressed in blood red amid the processions common to the Catholic Northeast of Brazil.
Henrique Reis, Camila Soato, and Diego Crux approach different forms of hegemonic power through more countercolonial and critical perspectives. Reis revisits a legal dispute with the Fundação Cultural do Estado da Bahia (FUNCEB), arising from what he understood as arbitrariness in the distribution of awards in the 2022 edition. By taking those responsible to court, the artist produced Ainda sobre o processo contra a Funceb. More than simply invoking Hélio Oiticica’s famous banner, the work exposes pirraça itself as a means of claiming rights. The artist also presents a painting from a series that revisits practices of cruising and queer sex in public, bringing into view what remains in the dark: what is considered improper, what is frowned upon, yet has never ceased to exist despite repression.
Camilla Soato presents a series of paintings in which monuments are destroyed and dissident, confrontational bodies dance, drink, kiss, undress, and turn life into a micareta. Diego Crux, in turn, presents the first photograph ever taken of him as a child. Curiously, there is a poster of the Pink Panther on the wall behind him; more curious still, baby Crux appears with his fist clenched and raised, a gesture associated with the Black Panthers. Little Diego, then, seemed destined to pirraçar from birth.
As a space for claiming rights related to territory, Yasmin Formiga and Matheus Freitas turn toward the landscape and territories of the Caatinga, attending to their nuances of fauna, flora, and the demarcation of their uses. For Formiga, winner of the Prêmio PIPA Online in 2025, artistic practice and political action are inseparable. At the heart of her current research, presented in the painting included in the exhibition, the artist exposes the ecological myth of macro-renewable energy. Wind turbines appear as concrete problems in the face of neocolonialism, which acts upon these territories and affects the lives of the beings who inhabit them. The artist projects a vision of these fallen turbines, reclaimed by vegetation and by the native animals of these territories.
The work of Matheus Freitas is grounded in the Calumbi plant, characteristic of Brazil’s semi-arid region, and in the legend of the “Fechamento da Caatinga”: a narrative of physical and spiritual protection according to which masters of Catimbó and pajés knew how to pray so that the dense, thorny Calumbi forest could function as a living fortress. In the face of a threat, the vegetation would open magical paths so that the “just” could pass through unharmed, closing immediately afterward as an impenetrable barrier of thorns, capable of tearing apart and repelling the pursuer. The plant’s mystical ancestry and the ecological urgency of the works converge in a single manifesto: the Caatinga as a living political body that knows how to pirraçar its invaders.
To pirraçar, after all, is not a vague or undefined gesture, but a way of saying no when blind consent is expected of us; of insisting and making noise when silence is demanded; of laughing when solemnity is expected; of occupying when limits are imposed; and of remaining when withdrawal is ordered. Perhaps this is why pirraça holds such interest for art: because, somewhere between childish defiance and insurgency, it opens a space of indiscipline in which other possibilities can be tested. Maybe pirraçar does not resolve conflicts at a structural level, but it certainly makes new forms of creation possible.
Walter Arcela
curator
Banca de maça
Ieda Oliveira
instalação com redinhas, papelão e madeira
installation using mesh produce bags, cardboard trays, and wood
200x100x85cm
2005/2026
Pedra falsa
Ieda Oliveira
vídeo-performance
video performance
14’55
2014
Tesouro
Henrique Reis
acrílica sobre tela
acrylic on canvas
77x77cm
2026
Com suas maravilhas e tristezas
Laura Pascoal
óleo e acrílica sobre tela
oil and acrylic on canvas
90x70cm
2025
Ainda sobre o processo contra a FUNCEBHenrique Reis
serigrafia sobre tecido refletivo
série de 10 cópias + 2 PA
screen printing on reflective fabric
series of 10 copies + 2 AP
95x95cm
2026
Fogo neles / Serpente encantadaCamila Soato
óleo e barro sobre tela
oil and clay on canvas
75x100cm
2023
Eu vou te contar o que sinto
Laura Pascoal
óleo e acrílica sobre tela
oil and acrylic on canvas
100x80cm
2023
Petite PanteraDiego Crux
fotografias impressão fine art em papel hahnemühle matt fibre, carimbos e tinta acrílica na especificação NCS S 5500-N sobre papel algodão
fine art photographic prints on Hahnemühle Matt Fibre paper, stamps and acrylic paint (NCS S 5500-N specification) on cotton paper
díptico [diptych] 42x60cm
2026
sem título, da série ParlamentoPedro Marighella
marcador sobre impressão fotográfica fine art em ,
série de 5 cópias + 2 PA
marker on fine art photographic print on
series of 5 copies + 2 AP
90x65cm
2013
Corneteiro
Marcos da Matta
acrílica sobre tela
acrylic on canvas
70x50cm
2026
Lição nº 10 Aprenda a lamber geloCamila Soato
óleo sobre tela
oil on canvas
31x27cm
2018
Lição nº 26 Lute por quem vc é
Camila Soato
óleo sobre tela
oil on canvas
24x15cm
2018
Lição nº 12 Tenha uma amiga jacaréCamila Soato
óleo sobre tela
oil on canvas
30x24cm
2018
Lição nº 27 Lute por quem você amaCamila Soato
óleo sobre tela
oil on canvas
40x20cm
2018
Lição nº 19 Saiba com quem andasCamila Soato
óleo sobre tela
oil on canvas
20x30cm
2018
Caretas do Sassaré, da série Fé na festa
Samuel Macedo
impressão fotográfica em fine art em papel
série de 5 cópias + 2 PA
fine art photographic print on
series of 5 copies + 2 AP
90x60cm
2024
Fábulas de uma utopia sertaneja
Yasmin Formiga
óleo sobre tela
oil on canvas
90x150cm
2026
Calumbi I
Matheus Freitas
escultura em aço inox, aço carbono e latão
sculpture in stainless steel, carbon steel, and brass
100x62x4cm
2026
Calumbi IIIMatheus Freitas
escultura em latão
brass sculpture
47x17x13cm
2026
sem título, da série Contra-ataquePedro Marighella
instalação com tipografia sobre madeira, pistolas d’água e tripés
installation featuring typography on wood, water guns, and tripods
180x180x100cm
2026
Camila
Soato
(Brasília, 1985) atua principalmente nos seguintes temas: arte contemporânea,
feminismo, fuleragem, gênero e pintura. Desenvolve pesquisas prático-teóricas
em pintura, desenho e performance. Por intermédio de pinceladas expressivas e
até mesmo com uma certa agressividade nas suas pinturas, combina imagens
cômicas apropriadas do cotidiano banal, trabalha com o elogio ao descuido,
assumindo o erro como índices poéticos. Escorridos, manchas e sujeiras,
oriundos de um método de trabalho que privilegia o improviso, são protagonistas
juntamente com personagens atrapalhados ou perversos em cenas esdrúxulas. Tudo
isso é justaposto á narrativas bizarras.
Diego Crux (São Paulo, SP), quase-artista nascido e criado na borda, em Parada de Taipas, hoje vive no centro. Trampa com artes entre outros por diversos lugares. Neto de Rosa e Esmeraldo, é da cor que lembra a memória. Pesquisa chamados íntimos e pessoais, experiências coletivas, representação e disputas das acepções de vitória e derrota para além de posições estanques. Usa variados meios em seus processos, como apropriação, fotografia, vídeo, design, samples visuais, palavra etc. Participou da 36a Bienal de São Paulo (Fundação Bienal, 2025), Ecos Malês (CHS, 2024), Dos Brasis (SESC, 2023–2024), Edição #35 aarea (aarea.co, 2021), If A Tree Falls In A Forest (Les Rencontres d’Arles, França, 2021), CHALE WOTE (Accra, Gana, 2019), dos programas de residência e pesquisa do Pro Helvetia (2026), Goethe-Institut Bahia (2023), MAM Rio (2021) e Pivô Pesquisa (2020), e tem textos publicados pelo Contemporary &, Revista Rosa e MAM Rio. Crux é membro da Irmandade Vilanismo.
Henrique Reis (Macajuba, 1995) é artista visual, bacharel interdisciplinar em Artes, bacharel em Artes Visuais e mestrando em Processos Criativos nas Artes Visuais pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (PPGAV - UFBA). Em processos de caráter sedimentário explora pintura, gravura e intervenções têxteis, no desenvolvimento de trabalhos que versam sobre dispositivos de vigilância, marginalidade e sexualidades dissidentes, realçando elementos textuais, flagras e códigos numa pesquisa que fundamentalmente tem ambições cartográficas amplas. Projetos selecionados incluem o Programa de Acompanhamento Curatorial Individual realizado pela Propágulo (2025), além de participações no 51° Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto (Santo André, 2024), no 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (Salvador, 2022) e no 67° Salão de Artes Visuais da Bahia (Irecê, 2024), onde foi premiado. Integrou as coletivas Quem Viaja Arrisca (Salvador, 2025) e UTOPIAS e DISTOPIAS (Salvador, 2022) ambas no MAM Bahia; 3° e 5º Festival Vórtice, Vórtice Cultural (São Paulo, 2024, 2026); Quase árido, RV Cultura e Arte (Salvador, 2024) e o 1° Circuito de Arte em Boteco - CAB (Salvador, 2024).
Ieda Oliveira (Santo Antônio de Jesus, 1969) é artista visual, professora e pesquisadora. Seu interesse temático reflete e revela aspectos originais do cotidiano baiano e nordestino com a interface transdisciplinar da contemporaneidade, conectando o local ao global, e se materializando em obras que exploram a instalação, a escultura, a performance, a pintura e o desenho. Projetos selecionados incluem participação em mostras instrucionais como a 26ª Bienal Internacional de São Paulo, a III Bienal do Mercosul e a II Trienal de Luanda; residência artística na Kunstlerhaus, de Hamburgo, na Alemanha, e no Taipei Artist Village, em Taiwan; e a mostra individual “Casa de Pai, Escola de Filha”, em comemoração aos seus 30 anos de trajetória artística no MAC_BAHIA, em 2025. Sua obra é parte do acervo do MAC_BAHIA e figura entre as instalações permanentes do Projeto RUA (Roteiro de Arte Urbana), localizado na Praça da Inglaterra, uma das mais importantes de Salvador, no bairro do Comércio. Atualmente, Ieda Oliveira apresenta a Instalação/performance “Vendo a Venda” no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM).
Laura Pascoal (Itabuna, 1996) é graduada em Licenciatura em Artes Visuais pela Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) e se destaca pela autenticidade de suas produções. A artista nasceu na Bahia e viveu em cidades do Agreste, Sertão e Zona da Mata de Pernambuco, até fixar-se na capital Recife, onde mora há mais de uma década. Dessa forma, passou a traduzir simbolismos capturados nas infinitas transitações pela Região Metropolitana do Recife. A visualidade “caótica” dessas cidades serviu de referencial imagético para as suas criações, que têm como inspiração a tipografia da peixaria, o banner do dentista, as texturas felpudas dos lençóis estampados, as pinturas estilizadas nas lameiras de caminhão. Em suas obras, mesclam-se o cotidiano e o pop para desenvolver temas do campo da sentimentalidade. Um repertório que incorpora a conexão de simbolismos mapeados através de sua vivência e que utiliza a tela como suporte principal para a pintura, desenvolvendo também através das linguagens da gravura, ilustração e estamparia.
Matheus Freitas(Santo Amaro, 1998) é artista visual cuja pesquisa se constrói no cruzamento entre escultura, metalurgia, fotografia, escrita e observação do cotidiano. O trabalho com ligas metálicas ocupa lugar central em sua prática, a partir de técnicas aprendidas com a tradição de artífices ferreiros e joalheiros do Recôncavo Baiano. Sua produção articula matéria, memória e espaço, investigando processos de transformação, conflito por espaço e construção de territórios. Por meio da metodologia Vendo Formas, observa a repetição de símbolos, arquiteturas, gestos e situações que insistem em aparecer no cotidiano, compreendendo essas recorrências como matéria de criação. Seu trabalho aproxima saberes afro-atlânticos, tecnologias da matéria e práticas escultóricas contemporâneas, explorando as tensões entre permanência e transformação, ordem e deslocamento, visível e invisível.
Marcos da Matta (Conceição do Almeida, 1989) faz experimentações com gravura, pintura e desenho partindo do cotidiano vivido na região do Recôncavo baiano para discutir temas ligados à sua cultura, religiosidade, às relações de trabalho e como essas e outras questões compõem tanto sua identidade como as identidades dos sujeitos. Projetos selecionados incluem a residências artísticas no Instituto Sacatar (2025), no Centro Cultural do Cariri Sérvulo Esmeraldo (2025) e no programa Narrativas Visuais SESC (2023); criação de uma intervenção artística no Instituto Ling (2023) com curadoria de Bitú Cassundé, e participações em “Death & Life Art residence open studio” (2019), no Salão de Vinhedo (2020), no Salão Nacional de arte de Jataí (2022), no 74º Salão de Abril (2023) e no 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (2022) do qual foi um dos 14 artistas premiados. Atualmente é integrante do grupo de artistas Práticas Desobedientes.
Samuel Macedo (Crato, 1984), fotógrafo e viajante, é um cearense do mundo. Ainda menino descobriu sua fascinação pela imagem através de seu avô, inventor nato de traquitanas fantásticas, onde em sua oficina gestou a primeira câmera de Samuel, uma pin hole. Sua formação teve início na Fundação Casa Grande - Memorial do Homem Kariri, mas foi observando os muitos personagens que povoam seu território e andando nas margens, que aprendeu a flagrar o etnográfico e o poético, percebendo em traços e gestos, narrativas das gentes do Brasil a fora. Por mais de cinco anos, Samuel visitou as regiões do país com o projeto Infâncias, criado pelas jornalistas Gabriela Romeu e Marlene Peret, que possibilitou intercâmbios entre crianças de distintas realidades – urbanas, ribeirinhas, quilombolas e indígenas. Como desdobramento do trabalho, foi produzido o livro Terra de Cabinha, vencedor do prêmio Jabuti 2017, e o curta Meninos e Reis, premiado como melhor documentário pela Mostra de Cinema Infantil de Florianópolis em 2016. Registrando as expressões musicais da cultura popular pelo Brasil, Samuel também integra o projeto Mestres Navegantes desde 2011, idealizado por Betão Aguiar. Na oportunidade vem gerando um amplo acervo de imagens e registros audiovisuais. Atualmente, a iniciativa é considerada um dos maiores acervos artísticos da cultura popular brasileira. Foi participante do Prêmio PIPA 2024 e vencedor do PIPA Online 2024.
Pedro Marighella (Salvador, 1979) tem como principais interesses o olhar sobre processos culturais, sociais e históricos, com destaque para o potencial crítico da diversão. Mestrando em Artes Visuais e Graduado em Artes Plásticas pela Escola de Belas Artes - UFBA, desenvolve projetos em artes visuais, design e música. Participou de residência na ARCO 08 (Madrid, Espanha) e Nam June Paik Award (Colônia, Alemanha) em 2010 como membro do coletivo GIA. Premiado na 10a Bienal do Recôncavo, ganhou residência na Accademia de Belle Arti di Brera, Milão. Projetos selecionados incluem um trabalho comissionado para a 3a Bienal da Bahia, 2014, participação nas mostras coletivas “A Nova Mão Afro Brasileira”, Museu Afro Brasil, 2013, e “Axé Bahia” no Museu Fowler (UCLA), em 2018. Selecionado como um dos 30 artistas finalistas do Prêmio Marcantônio Vilaça em 2019. Em 2020 passou a integrar o acervo permanente do MASP - Museu de Arte de São Paulo, com um trabalho comissionado para a exposição Histórias da Dança. Em 2022 fez parte das exposições “Utopia Distopia”, no MAM Bahia, e “Histórias Brasileiras” no MASP. Em 2023 realiza uma obra comissionada em grande escala para o Museu Afro Brasil em ocasião do Bicentanário da Independência do Brasil na Bahia e em 2024 uma obra da série “Templo” para o MAC_BAHIA.
Yasmin Formiga (Santa Luzia, 1997) é artista visual, educadora e ativista ambiental. Sua produção debate questões socioambientais e territoriais ligadas ao bioma Caatinga, exclusivo da região Nordeste do Brasil. Em sua pesquisa mais recente, a artista investiga e denuncia as contradições e os impactos provocados pela monocultura das chamadas energias renováveis — como usinas eólicas e solares — que vêm sendo implantadas no sertão nordestino como formas de neocolonialismo contemporâneo e apropriação territorial. A partir desse contexto, Yasmin propõe diálogos interespécies, experiências de comunhão com o semiárido e práticas de pertencimento, refletindo sobre outras formas de habitar e cuidar do território. Ao desmistificar a visão estigmatizada da Caatinga como um lugar inóspito e sem vida, convida-nos a desenvolver um olhar mais sensível, político e comprometido com a valorização desse bioma historicamente explorado e invisibilizado. Sua prática artística emerge do contato direto com a matéria orgânica. É a partir desse insumo que a artista realiza performances-instalações, obras de land art, objetos de memória, bandeiras e pinturas voltadas à conscientização ambiental, evocando uma cosmovisão caatingueira enraizada no território, nos saberes ancestrais e na resistência.
Diego Crux (São Paulo, SP), quase-artista nascido e criado na borda, em Parada de Taipas, hoje vive no centro. Trampa com artes entre outros por diversos lugares. Neto de Rosa e Esmeraldo, é da cor que lembra a memória. Pesquisa chamados íntimos e pessoais, experiências coletivas, representação e disputas das acepções de vitória e derrota para além de posições estanques. Usa variados meios em seus processos, como apropriação, fotografia, vídeo, design, samples visuais, palavra etc. Participou da 36a Bienal de São Paulo (Fundação Bienal, 2025), Ecos Malês (CHS, 2024), Dos Brasis (SESC, 2023–2024), Edição #35 aarea (aarea.co, 2021), If A Tree Falls In A Forest (Les Rencontres d’Arles, França, 2021), CHALE WOTE (Accra, Gana, 2019), dos programas de residência e pesquisa do Pro Helvetia (2026), Goethe-Institut Bahia (2023), MAM Rio (2021) e Pivô Pesquisa (2020), e tem textos publicados pelo Contemporary &, Revista Rosa e MAM Rio. Crux é membro da Irmandade Vilanismo.
Henrique Reis (Macajuba, 1995) é artista visual, bacharel interdisciplinar em Artes, bacharel em Artes Visuais e mestrando em Processos Criativos nas Artes Visuais pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (PPGAV - UFBA). Em processos de caráter sedimentário explora pintura, gravura e intervenções têxteis, no desenvolvimento de trabalhos que versam sobre dispositivos de vigilância, marginalidade e sexualidades dissidentes, realçando elementos textuais, flagras e códigos numa pesquisa que fundamentalmente tem ambições cartográficas amplas. Projetos selecionados incluem o Programa de Acompanhamento Curatorial Individual realizado pela Propágulo (2025), além de participações no 51° Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto (Santo André, 2024), no 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (Salvador, 2022) e no 67° Salão de Artes Visuais da Bahia (Irecê, 2024), onde foi premiado. Integrou as coletivas Quem Viaja Arrisca (Salvador, 2025) e UTOPIAS e DISTOPIAS (Salvador, 2022) ambas no MAM Bahia; 3° e 5º Festival Vórtice, Vórtice Cultural (São Paulo, 2024, 2026); Quase árido, RV Cultura e Arte (Salvador, 2024) e o 1° Circuito de Arte em Boteco - CAB (Salvador, 2024).
Ieda Oliveira (Santo Antônio de Jesus, 1969) é artista visual, professora e pesquisadora. Seu interesse temático reflete e revela aspectos originais do cotidiano baiano e nordestino com a interface transdisciplinar da contemporaneidade, conectando o local ao global, e se materializando em obras que exploram a instalação, a escultura, a performance, a pintura e o desenho. Projetos selecionados incluem participação em mostras instrucionais como a 26ª Bienal Internacional de São Paulo, a III Bienal do Mercosul e a II Trienal de Luanda; residência artística na Kunstlerhaus, de Hamburgo, na Alemanha, e no Taipei Artist Village, em Taiwan; e a mostra individual “Casa de Pai, Escola de Filha”, em comemoração aos seus 30 anos de trajetória artística no MAC_BAHIA, em 2025. Sua obra é parte do acervo do MAC_BAHIA e figura entre as instalações permanentes do Projeto RUA (Roteiro de Arte Urbana), localizado na Praça da Inglaterra, uma das mais importantes de Salvador, no bairro do Comércio. Atualmente, Ieda Oliveira apresenta a Instalação/performance “Vendo a Venda” no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM).
Laura Pascoal (Itabuna, 1996) é graduada em Licenciatura em Artes Visuais pela Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) e se destaca pela autenticidade de suas produções. A artista nasceu na Bahia e viveu em cidades do Agreste, Sertão e Zona da Mata de Pernambuco, até fixar-se na capital Recife, onde mora há mais de uma década. Dessa forma, passou a traduzir simbolismos capturados nas infinitas transitações pela Região Metropolitana do Recife. A visualidade “caótica” dessas cidades serviu de referencial imagético para as suas criações, que têm como inspiração a tipografia da peixaria, o banner do dentista, as texturas felpudas dos lençóis estampados, as pinturas estilizadas nas lameiras de caminhão. Em suas obras, mesclam-se o cotidiano e o pop para desenvolver temas do campo da sentimentalidade. Um repertório que incorpora a conexão de simbolismos mapeados através de sua vivência e que utiliza a tela como suporte principal para a pintura, desenvolvendo também através das linguagens da gravura, ilustração e estamparia.
Matheus Freitas(Santo Amaro, 1998) é artista visual cuja pesquisa se constrói no cruzamento entre escultura, metalurgia, fotografia, escrita e observação do cotidiano. O trabalho com ligas metálicas ocupa lugar central em sua prática, a partir de técnicas aprendidas com a tradição de artífices ferreiros e joalheiros do Recôncavo Baiano. Sua produção articula matéria, memória e espaço, investigando processos de transformação, conflito por espaço e construção de territórios. Por meio da metodologia Vendo Formas, observa a repetição de símbolos, arquiteturas, gestos e situações que insistem em aparecer no cotidiano, compreendendo essas recorrências como matéria de criação. Seu trabalho aproxima saberes afro-atlânticos, tecnologias da matéria e práticas escultóricas contemporâneas, explorando as tensões entre permanência e transformação, ordem e deslocamento, visível e invisível.
Marcos da Matta (Conceição do Almeida, 1989) faz experimentações com gravura, pintura e desenho partindo do cotidiano vivido na região do Recôncavo baiano para discutir temas ligados à sua cultura, religiosidade, às relações de trabalho e como essas e outras questões compõem tanto sua identidade como as identidades dos sujeitos. Projetos selecionados incluem a residências artísticas no Instituto Sacatar (2025), no Centro Cultural do Cariri Sérvulo Esmeraldo (2025) e no programa Narrativas Visuais SESC (2023); criação de uma intervenção artística no Instituto Ling (2023) com curadoria de Bitú Cassundé, e participações em “Death & Life Art residence open studio” (2019), no Salão de Vinhedo (2020), no Salão Nacional de arte de Jataí (2022), no 74º Salão de Abril (2023) e no 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (2022) do qual foi um dos 14 artistas premiados. Atualmente é integrante do grupo de artistas Práticas Desobedientes.
Samuel Macedo (Crato, 1984), fotógrafo e viajante, é um cearense do mundo. Ainda menino descobriu sua fascinação pela imagem através de seu avô, inventor nato de traquitanas fantásticas, onde em sua oficina gestou a primeira câmera de Samuel, uma pin hole. Sua formação teve início na Fundação Casa Grande - Memorial do Homem Kariri, mas foi observando os muitos personagens que povoam seu território e andando nas margens, que aprendeu a flagrar o etnográfico e o poético, percebendo em traços e gestos, narrativas das gentes do Brasil a fora. Por mais de cinco anos, Samuel visitou as regiões do país com o projeto Infâncias, criado pelas jornalistas Gabriela Romeu e Marlene Peret, que possibilitou intercâmbios entre crianças de distintas realidades – urbanas, ribeirinhas, quilombolas e indígenas. Como desdobramento do trabalho, foi produzido o livro Terra de Cabinha, vencedor do prêmio Jabuti 2017, e o curta Meninos e Reis, premiado como melhor documentário pela Mostra de Cinema Infantil de Florianópolis em 2016. Registrando as expressões musicais da cultura popular pelo Brasil, Samuel também integra o projeto Mestres Navegantes desde 2011, idealizado por Betão Aguiar. Na oportunidade vem gerando um amplo acervo de imagens e registros audiovisuais. Atualmente, a iniciativa é considerada um dos maiores acervos artísticos da cultura popular brasileira. Foi participante do Prêmio PIPA 2024 e vencedor do PIPA Online 2024.
Pedro Marighella (Salvador, 1979) tem como principais interesses o olhar sobre processos culturais, sociais e históricos, com destaque para o potencial crítico da diversão. Mestrando em Artes Visuais e Graduado em Artes Plásticas pela Escola de Belas Artes - UFBA, desenvolve projetos em artes visuais, design e música. Participou de residência na ARCO 08 (Madrid, Espanha) e Nam June Paik Award (Colônia, Alemanha) em 2010 como membro do coletivo GIA. Premiado na 10a Bienal do Recôncavo, ganhou residência na Accademia de Belle Arti di Brera, Milão. Projetos selecionados incluem um trabalho comissionado para a 3a Bienal da Bahia, 2014, participação nas mostras coletivas “A Nova Mão Afro Brasileira”, Museu Afro Brasil, 2013, e “Axé Bahia” no Museu Fowler (UCLA), em 2018. Selecionado como um dos 30 artistas finalistas do Prêmio Marcantônio Vilaça em 2019. Em 2020 passou a integrar o acervo permanente do MASP - Museu de Arte de São Paulo, com um trabalho comissionado para a exposição Histórias da Dança. Em 2022 fez parte das exposições “Utopia Distopia”, no MAM Bahia, e “Histórias Brasileiras” no MASP. Em 2023 realiza uma obra comissionada em grande escala para o Museu Afro Brasil em ocasião do Bicentanário da Independência do Brasil na Bahia e em 2024 uma obra da série “Templo” para o MAC_BAHIA.
Yasmin Formiga (Santa Luzia, 1997) é artista visual, educadora e ativista ambiental. Sua produção debate questões socioambientais e territoriais ligadas ao bioma Caatinga, exclusivo da região Nordeste do Brasil. Em sua pesquisa mais recente, a artista investiga e denuncia as contradições e os impactos provocados pela monocultura das chamadas energias renováveis — como usinas eólicas e solares — que vêm sendo implantadas no sertão nordestino como formas de neocolonialismo contemporâneo e apropriação territorial. A partir desse contexto, Yasmin propõe diálogos interespécies, experiências de comunhão com o semiárido e práticas de pertencimento, refletindo sobre outras formas de habitar e cuidar do território. Ao desmistificar a visão estigmatizada da Caatinga como um lugar inóspito e sem vida, convida-nos a desenvolver um olhar mais sensível, político e comprometido com a valorização desse bioma historicamente explorado e invisibilizado. Sua prática artística emerge do contato direto com a matéria orgânica. É a partir desse insumo que a artista realiza performances-instalações, obras de land art, objetos de memória, bandeiras e pinturas voltadas à conscientização ambiental, evocando uma cosmovisão caatingueira enraizada no território, nos saberes ancestrais e na resistência.
Camila Soato's (Brasília, 1985) practice primarily engages with contemporary art, feminism, fuleragem, gender, and painting. She develops practical and theoretical research across painting, drawing, and performance. Through expressive, at times deliberately aggressive brushwork, she combines comic images appropriated from everyday life with an appreciation for carelessness, embracing error as a poetic index. Drips, stains, and dirt—arising from a working method that privileges improvisation—take center stage alongside clumsy or perverse characters in bizarre scenes. All of this is juxtaposed with equally strange narratives.
Diego Crux (São Paulo, SP), almost-artist, born and raised on the outskirts, in Parada de Taipas, and now living in the city center. Works with art, among other things, in various places. Grandson of Rosa and Esmeraldo, he is of a color that recalls memory. His research engages with intimate and personal calls, collective experiences, representation, and disputes around notions of victory and defeat beyond fixed positions. He works across a range of media and strategies, including appropriation, photography, video, design, visual samples, words, and more. He participated in the 36th Bienal de São Paulo (Fundação Bienal, 2025), Ecos Malês (CHS, 2024), Dos Brasis (SESC, 2023–2024), Edição #35 aarea (aarea.co, 2021), If A Tree Falls In A Forest (Les Rencontres d’Arles, France, 2021), and CHALE WOTE (Accra, Ghana, 2019). He has also participated in residency and research programs at Pro Helvetia (2026), Goethe-Institut Bahia (2023), MAM Rio (2021), and Pivô Pesquisa (2020). His writing has been published by Contemporary &, Revista Rosa, and MAM Rio. Crux is a member of the Irmandade Vilanismo.
Henrique Reis (Macajuba, 1995) is a visual artist, holds a Bachelor’s degree in Interdisciplinary Arts and a Bachelor’s degree in Visual Arts, and is currently pursuing a Master’s degree in Creative Processes in Visual Arts at the Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (PPGAV - UFBA). Through sedimentary processes, he explores painting, printmaking, and textile interventions in works that address surveillance devices, marginality, and dissident sexualities. Textual elements, glimpses, and codes are foregrounded in a practice fundamentally driven by broad cartographic ambitions. Selected projects include the Programa de Acompanhamento Curatorial Individual organized by Propágulo (2025), as well as participation in the 51° Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto (Santo André, 2024), the 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (Salvador, 2022), and the 67° Salão de Artes Visuais da Bahia (Irecê, 2024), where he received an award. He participated in the group exhibitions Quem Viaja Arrisca (Salvador, 2025) and UTOPIAS e DISTOPIAS (Salvador, 2022), both at MAM Bahia, as well as the 3° and 5º Festival Vórtice, Vórtice Cultural (São Paulo, 2024, 2026), Quase árido, at RV Cultura e Arte (Salvador, 2024), and the 1° Circuito de Arte em Boteco - CAB (Salvador, 2024).
Ieda Oliveira (Santo Antônio de Jesus, 1969) is a visual artist, professor, and researcher. Her thematic interests reflect and reveal distinctive aspects of everyday life in Bahia and the Brazilian Northeast through a transdisciplinary contemporary perspective, connecting the local to the global. Her practice takes form through installation, sculpture, performance, painting, and drawing. Selected projects include participation in institutional exhibitions such as the 26ª Bienal Internacional de São Paulo, the III Bienal do Mercosul, and the II Trienal de Luanda; artistic residencies at Kunstlerhaus, in Hamburg, Germany, and Taipei Artist Village, in Taiwan; and the solo exhibition Casa de Pai, Escola de Filha, presented in celebration of thirty years of her artistic career at MAC_BAHIA in 2025. Her work is part of the collection of MAC_BAHIA and is included among the permanent installations of Projeto RUA (Roteiro de Arte Urbana), located at Praça da Inglaterra, one of Salvador’s most significant public squares, in the Comércio district. Ieda Oliveira currently presents the installation/performance Vendo a Venda at the Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM).
Laura Pascoal (Itabuna, 1996) holds a degree in Visual Arts Education from the Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) and is distinguished by the distinctive character of her practice. Born in Bahia, she lived in cities across the Agreste, Sertão, and Zona da Mata regions of Pernambuco before settling in Recife, where she has lived for more than a decade. Her work translates symbols gathered through her countless journeys across the Recife metropolitan region. The “chaotic” visuality of these cities has become an imagistic reference for her practice. Her sources of inspiration include the typography of fish markets, the banners of dentists’ offices, the plush textures of printed bed linens, and the stylized paintings found on truck mudguards. In her work, everyday life and pop culture intersect to explore themes related to sentiment and emotional experience. Her visual repertoire incorporates symbols mapped through lived experience, with the canvas serving as her primary support for painting. She also works across printmaking, illustration, and textile printing.
Matheus Freitas (Santo Amaro, 1998) is a visual artist whose practice emerges at the intersection of sculpture, metalworking, photography, writing, and close observation of everyday life. Working with metal alloys occupies a central position in his practice, drawing on techniques learned through the traditions of blacksmiths and goldsmiths from the Recôncavo Baiano. His production brings together matter, memory, and space, investigating processes of transformation, struggles over space, and the construction of territories. Through the methodology Vendo Formas, he observes the recurrence of symbols, architectures, gestures, and situations that insist on appearing in everyday life, understanding these repetitions as material for creation. His practice brings together Afro-Atlantic forms of knowledge, material technologies, and contemporary sculptural practices, exploring tensions between permanence and transformation, order and displacement, the visible and the invisible.
Marcos da Matta (Conceição do Almeida, 1989) experiments with printmaking, painting, and drawing, drawing from everyday life in the Recôncavo Baiano to explore themes related to its culture, religiosity, and labor relations, and the ways in which these and other issues shape both his own identity and the identities of the people around him. Selected projects include artistic residencies at Instituto Sacatar (2025), Centro Cultural do Cariri Sérvulo Esmeraldo (2025), and the Narrativas Visuais SESC program (2023); the creation of an artistic intervention at Instituto Ling (2023), curated by Bitú Cassundé; and participation in Death & Life Art residence open studio (2019), Salão de Vinhedo (2020), Salão Nacional de arte de Jataí (2022), 74º Salão de Abril (2023), and the 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (2022), where he was one of fourteen awarded artists. He is currently a member of the artist collective Práticas Desobedientes.
Samuel Macedo (Crato, 1984), photographer and traveler, is a cearense of the world. As a child, he discovered his fascination with images through his grandfather, a natural inventor of fantastic contraptions. It was in his grandfather’s workshop that he made Samuel’s first camera, a pinhole. His education began at Fundação Casa Grande - Memorial do Homem Kariri, but it was by observing the many characters who inhabit his territory and walking its margins that he learned to capture both the ethnographic and the poetic, recognizing in the gestures and features of Brazil’s people narratives that extend far beyond their immediate surroundings. For more than five years, Samuel traveled throughout different regions of the country with Infâncias, a project created by journalists Gabriela Romeu and Marlene Peret that enabled exchanges between children from distinct realities—urban, riverside, quilombola, and Indigenous communities. As an outcome of the project, the book Terra de Cabinha was published and received the Prêmio Jabuti 2017, while the short film Meninos e Reis was awarded Best Documentary at the Mostra de Cinema Infantil de Florianópolis in 2016. Documenting musical expressions of popular culture throughout Brazil, Samuel has also been part of the Mestres Navegantes project since 2011, conceived by Betão Aguiar. Through this initiative, he has built an extensive archive of photographic and audiovisual records. Today, the project is regarded as one of the largest artistic archives of Brazilian popular culture. He participated in the Prêmio PIPA 2024 and was the winner of PIPA Online 2024.
Pedro Marighella's (Salvador, 1979) practice is primarily concerned with cultural, social, and historical processes, with particular attention to the critical potential of pleasure and entertainment. He holds a degree in Fine Arts and is currently pursuing a Master’s degree in Visual Arts at the Escola de Belas Artes - UFBA. He develops projects across visual arts, design, and music. In 2010, as a member of the GIA collective, he participated in a residency at ARCO 08 (Madrid, Spain) and in the Nam June Paik Award (Cologne, Germany). Awarded at the 10a Bienal do Recôncavo, he received a residency at the Accademia de Belle Arti di Brera, in Milan. Selected projects include a commissioned work for the 3a Bienal da Bahia (2014); participation in the group exhibitions A Nova Mão Afro Brasileira, at Museu Afro Brasil (2013), and Axé Bahia, at the Fowler Museum (UCLA) (2018). In 2019, he was selected as one of the thirty finalists for the Prêmio Marcantônio Vilaça. In 2020, his work entered the permanent collection of MASP - Museu de Arte de São Paulo, following a commission for the exhibition Histórias da Dança. In 2022, he participated in the exhibitions Utopia Distopia, at MAM Bahia, and Histórias Brasileiras, at MASP. In 2023, he created a large-scale commissioned work for Museu Afro Brasil on the occasion of the bicentenary of Brazil’s Independence in Bahia. In 2024, he produced a work from the Templo series for MAC_BAHIA.
Yasmin Formiga (Santa Luzia, 1997) is a visual artist, educator, and environmental activist. Her practice addresses socio-environmental and territorial issues related to the Caatinga biome, which is exclusive to Brazil’s Northeast region. In her most recent research, the artist investigates and denounces the contradictions and impacts produced by the monoculture of so-called renewable energy—such as wind and solar farms—which have been implemented throughout the northeastern hinterland as forms of contemporary neocolonialism and territorial appropriation. Within this context, Yasmin proposes interspecies dialogues, experiences of communion with the semi-arid landscape, and practices of belonging, reflecting on other ways of inhabiting and caring for territory. By challenging the stigmatized perception of the Caatinga as an inhospitable and lifeless place, she invites us to develop a more sensitive and political gaze, one committed to valuing a biome that has historically been exploited and rendered invisible. Her artistic practice emerges from direct contact with organic matter. From this material, the artist creates performance-installations, land art works, memory objects, flags, and paintings dedicated to environmental awareness. These works evoke a Caatinga worldview rooted in territory, ancestral knowledge, and resistance.
Diego Crux (São Paulo, SP), almost-artist, born and raised on the outskirts, in Parada de Taipas, and now living in the city center. Works with art, among other things, in various places. Grandson of Rosa and Esmeraldo, he is of a color that recalls memory. His research engages with intimate and personal calls, collective experiences, representation, and disputes around notions of victory and defeat beyond fixed positions. He works across a range of media and strategies, including appropriation, photography, video, design, visual samples, words, and more. He participated in the 36th Bienal de São Paulo (Fundação Bienal, 2025), Ecos Malês (CHS, 2024), Dos Brasis (SESC, 2023–2024), Edição #35 aarea (aarea.co, 2021), If A Tree Falls In A Forest (Les Rencontres d’Arles, France, 2021), and CHALE WOTE (Accra, Ghana, 2019). He has also participated in residency and research programs at Pro Helvetia (2026), Goethe-Institut Bahia (2023), MAM Rio (2021), and Pivô Pesquisa (2020). His writing has been published by Contemporary &, Revista Rosa, and MAM Rio. Crux is a member of the Irmandade Vilanismo.
Henrique Reis (Macajuba, 1995) is a visual artist, holds a Bachelor’s degree in Interdisciplinary Arts and a Bachelor’s degree in Visual Arts, and is currently pursuing a Master’s degree in Creative Processes in Visual Arts at the Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (PPGAV - UFBA). Through sedimentary processes, he explores painting, printmaking, and textile interventions in works that address surveillance devices, marginality, and dissident sexualities. Textual elements, glimpses, and codes are foregrounded in a practice fundamentally driven by broad cartographic ambitions. Selected projects include the Programa de Acompanhamento Curatorial Individual organized by Propágulo (2025), as well as participation in the 51° Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto (Santo André, 2024), the 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (Salvador, 2022), and the 67° Salão de Artes Visuais da Bahia (Irecê, 2024), where he received an award. He participated in the group exhibitions Quem Viaja Arrisca (Salvador, 2025) and UTOPIAS e DISTOPIAS (Salvador, 2022), both at MAM Bahia, as well as the 3° and 5º Festival Vórtice, Vórtice Cultural (São Paulo, 2024, 2026), Quase árido, at RV Cultura e Arte (Salvador, 2024), and the 1° Circuito de Arte em Boteco - CAB (Salvador, 2024).
Ieda Oliveira (Santo Antônio de Jesus, 1969) is a visual artist, professor, and researcher. Her thematic interests reflect and reveal distinctive aspects of everyday life in Bahia and the Brazilian Northeast through a transdisciplinary contemporary perspective, connecting the local to the global. Her practice takes form through installation, sculpture, performance, painting, and drawing. Selected projects include participation in institutional exhibitions such as the 26ª Bienal Internacional de São Paulo, the III Bienal do Mercosul, and the II Trienal de Luanda; artistic residencies at Kunstlerhaus, in Hamburg, Germany, and Taipei Artist Village, in Taiwan; and the solo exhibition Casa de Pai, Escola de Filha, presented in celebration of thirty years of her artistic career at MAC_BAHIA in 2025. Her work is part of the collection of MAC_BAHIA and is included among the permanent installations of Projeto RUA (Roteiro de Arte Urbana), located at Praça da Inglaterra, one of Salvador’s most significant public squares, in the Comércio district. Ieda Oliveira currently presents the installation/performance Vendo a Venda at the Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM).
Laura Pascoal (Itabuna, 1996) holds a degree in Visual Arts Education from the Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) and is distinguished by the distinctive character of her practice. Born in Bahia, she lived in cities across the Agreste, Sertão, and Zona da Mata regions of Pernambuco before settling in Recife, where she has lived for more than a decade. Her work translates symbols gathered through her countless journeys across the Recife metropolitan region. The “chaotic” visuality of these cities has become an imagistic reference for her practice. Her sources of inspiration include the typography of fish markets, the banners of dentists’ offices, the plush textures of printed bed linens, and the stylized paintings found on truck mudguards. In her work, everyday life and pop culture intersect to explore themes related to sentiment and emotional experience. Her visual repertoire incorporates symbols mapped through lived experience, with the canvas serving as her primary support for painting. She also works across printmaking, illustration, and textile printing.
Matheus Freitas (Santo Amaro, 1998) is a visual artist whose practice emerges at the intersection of sculpture, metalworking, photography, writing, and close observation of everyday life. Working with metal alloys occupies a central position in his practice, drawing on techniques learned through the traditions of blacksmiths and goldsmiths from the Recôncavo Baiano. His production brings together matter, memory, and space, investigating processes of transformation, struggles over space, and the construction of territories. Through the methodology Vendo Formas, he observes the recurrence of symbols, architectures, gestures, and situations that insist on appearing in everyday life, understanding these repetitions as material for creation. His practice brings together Afro-Atlantic forms of knowledge, material technologies, and contemporary sculptural practices, exploring tensions between permanence and transformation, order and displacement, the visible and the invisible.
Marcos da Matta (Conceição do Almeida, 1989) experiments with printmaking, painting, and drawing, drawing from everyday life in the Recôncavo Baiano to explore themes related to its culture, religiosity, and labor relations, and the ways in which these and other issues shape both his own identity and the identities of the people around him. Selected projects include artistic residencies at Instituto Sacatar (2025), Centro Cultural do Cariri Sérvulo Esmeraldo (2025), and the Narrativas Visuais SESC program (2023); the creation of an artistic intervention at Instituto Ling (2023), curated by Bitú Cassundé; and participation in Death & Life Art residence open studio (2019), Salão de Vinhedo (2020), Salão Nacional de arte de Jataí (2022), 74º Salão de Abril (2023), and the 64º Salões de Artes Visuais da Bahia (2022), where he was one of fourteen awarded artists. He is currently a member of the artist collective Práticas Desobedientes.
Samuel Macedo (Crato, 1984), photographer and traveler, is a cearense of the world. As a child, he discovered his fascination with images through his grandfather, a natural inventor of fantastic contraptions. It was in his grandfather’s workshop that he made Samuel’s first camera, a pinhole. His education began at Fundação Casa Grande - Memorial do Homem Kariri, but it was by observing the many characters who inhabit his territory and walking its margins that he learned to capture both the ethnographic and the poetic, recognizing in the gestures and features of Brazil’s people narratives that extend far beyond their immediate surroundings. For more than five years, Samuel traveled throughout different regions of the country with Infâncias, a project created by journalists Gabriela Romeu and Marlene Peret that enabled exchanges between children from distinct realities—urban, riverside, quilombola, and Indigenous communities. As an outcome of the project, the book Terra de Cabinha was published and received the Prêmio Jabuti 2017, while the short film Meninos e Reis was awarded Best Documentary at the Mostra de Cinema Infantil de Florianópolis in 2016. Documenting musical expressions of popular culture throughout Brazil, Samuel has also been part of the Mestres Navegantes project since 2011, conceived by Betão Aguiar. Through this initiative, he has built an extensive archive of photographic and audiovisual records. Today, the project is regarded as one of the largest artistic archives of Brazilian popular culture. He participated in the Prêmio PIPA 2024 and was the winner of PIPA Online 2024.
Pedro Marighella's (Salvador, 1979) practice is primarily concerned with cultural, social, and historical processes, with particular attention to the critical potential of pleasure and entertainment. He holds a degree in Fine Arts and is currently pursuing a Master’s degree in Visual Arts at the Escola de Belas Artes - UFBA. He develops projects across visual arts, design, and music. In 2010, as a member of the GIA collective, he participated in a residency at ARCO 08 (Madrid, Spain) and in the Nam June Paik Award (Cologne, Germany). Awarded at the 10a Bienal do Recôncavo, he received a residency at the Accademia de Belle Arti di Brera, in Milan. Selected projects include a commissioned work for the 3a Bienal da Bahia (2014); participation in the group exhibitions A Nova Mão Afro Brasileira, at Museu Afro Brasil (2013), and Axé Bahia, at the Fowler Museum (UCLA) (2018). In 2019, he was selected as one of the thirty finalists for the Prêmio Marcantônio Vilaça. In 2020, his work entered the permanent collection of MASP - Museu de Arte de São Paulo, following a commission for the exhibition Histórias da Dança. In 2022, he participated in the exhibitions Utopia Distopia, at MAM Bahia, and Histórias Brasileiras, at MASP. In 2023, he created a large-scale commissioned work for Museu Afro Brasil on the occasion of the bicentenary of Brazil’s Independence in Bahia. In 2024, he produced a work from the Templo series for MAC_BAHIA.
Yasmin Formiga (Santa Luzia, 1997) is a visual artist, educator, and environmental activist. Her practice addresses socio-environmental and territorial issues related to the Caatinga biome, which is exclusive to Brazil’s Northeast region. In her most recent research, the artist investigates and denounces the contradictions and impacts produced by the monoculture of so-called renewable energy—such as wind and solar farms—which have been implemented throughout the northeastern hinterland as forms of contemporary neocolonialism and territorial appropriation. Within this context, Yasmin proposes interspecies dialogues, experiences of communion with the semi-arid landscape, and practices of belonging, reflecting on other ways of inhabiting and caring for territory. By challenging the stigmatized perception of the Caatinga as an inhospitable and lifeless place, she invites us to develop a more sensitive and political gaze, one committed to valuing a biome that has historically been exploited and rendered invisible. Her artistic practice emerges from direct contact with organic matter. From this material, the artist creates performance-installations, land art works, memory objects, flags, and paintings dedicated to environmental awareness. These works evoke a Caatinga worldview rooted in territory, ancestral knowledge, and resistance.
Ilan Iglesias
fotografia de obra e ambiente [artwork and gallery photography]
Larissa Martina gestão curatorial [curatorial management]
RV Cultura e Arte produção e montagem [production and assembly]
Walter Arcela curadoria e texto crítico [critical essay]
Agradecimentos à Galeria Garrido
[acknowledgments to Galeria Garrido]
Para mais informações sobre as obras disponíveis
[for more information on available works]
+55 71 33474929
contato@rvculturaearte.com
Larissa Martina gestão curatorial [curatorial management]
RV Cultura e Arte produção e montagem [production and assembly]
Walter Arcela curadoria e texto crítico [critical essay]
Agradecimentos à Galeria Garrido
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